Parece ser que hay otra electrónica, una que no es la que la mayoría de las personas tiene en mente cuando se le habla de electrónica; el punchi punchi, que le dicen. Desde hace por lo menos una década en Uruguay existen exponentes que se valen de los instrumentos electrónicos para hacer otra cosa que hacer bailar a la gente en los boliches, que están abocados a procesos más experimentales, y como se dirá más adelante, están dispuestos a “meter las manos en la mása”. Por eso hablamos con algunos de los exponentes con más trayectoria en este campo, para ir definiendo de a poco que si existe una música que se puede llamar electrónica alternativa o si es una etiqueta tan amplia como decir que existe la música eléctrica, que podría ir desde el Buddy Guy hasta Morbid Angel.

Hernán González, más conocido como Cooptrol, gentilmente converso con nosotros sobre este y otros temas.

Del Metal a la Electrónica.
Yo era baterista, tocaba heavy metal, death y esas cosas y empecé a escuchar en esa época, los 90, que se empezaron a dar fusiones de estilos, hip hop y metal, etc, y una de esas fusiones era la música industrial que ya venia de antes, con el metal; estaba Ministry, estaba Nine Inch Nails , Front Line Assembly; y yo empecé a escuchar esa música y me copé con el sonido electrónico, y no solo eso sino que además me seducía el poder hacer la música yo solo, porque siempre fui de los bateristas que piensan toda la música pero me costaba trasmitírselo al resto; cuando vi que podía todo el control fue genial.

La primera experiencia real fue con una Commodore Amiga que me prestaron en el 95 y con los trackers, que eran un tipo de programa que había en esa época, que ibas ordenando samples y un pattern y aun siendo una cosa muy básica terminabas haciendo un tema de techno en 2 minutos.

Me llevo unos cuantos años el proceso de pasar de lo que hacia antes a la electrónica; o sea empecé en el 95 y recién en el 98 vendí la batería y me compre un sintetizador y una tarjeta de sonido y ahí me pase del todo, pero seguía teniendo una banda industrial donde había un violero y un bajista y yo cantaba y todo lo demás era programado y en el 2000 cuando se disolvió la banda arranque con el proyecto solista Cooptrol.

En esa época escuchaba mucho Techno Dub e IDM, y como el Techno Dub no se alejaba mucho de lo más masivo que había acá de bombo en negras y esas cosas, y yo quería tocar en vivo, dije ta, voy a hacer Techno Dub; inicialmente lo hice, después pire y agarre para cualquier lado.

En el 2001 empezamos a tocar con el Colectivo Error, junto a Daniel Anselmi, Nacho Benedetti, y Pablo Bonilla; ahí yo recién estaba probando hacer techno a ver como me iba, probando técnicas, aprendiendo a usar el Reason, el Acid, me compre la primera Electribe, viendo como era tocar en vivo, porque claro, nadie tenia laptops para tocar en vivo en esa época.

En el 2003 se separa el colectivo y yo ahí decido hacer la música que siempre quise hacer, fue un año en que lo único que hice fue encerrarme y hacer la música que a mi se me cantó y yo sabia que eso no le iba a interesar a nadie acá. Entonces saque el primer disco oficial de Cooptrol que se llama Detractor, que es un disco post-industrial, medio experimental, medio avantgarde; hice una edición en cd que la vendía yo a 50 pesos y pila de gente lo compro. Ese disco estuvo bueno porque me abrió puertas, en el 2004 fui invitado a tocar a un festival a Colombia y por ese mismo disco fui invitado también a tocar en Madrid en el 2007. A partir de ese momento en adelante tuve más repercusión afuera que en Uruguay, tampoco fue que tuve tanta repercusión pero más que acá seguro, porque era más fácil encontrar en el mundo gente que le diera bola a lo mismo que acá.

La música de pista
Como oyente, la electrónica masiva me genera lo mismo que la música masiva, en general suele no gustarme, no es a propósito, me pasa naturalmente que la música que tiende a gustarle a la mayoría de la gente a mi no me gusta. A mi me gusta la música complicada, en el parámetro que sea, porque directamente la música fácil me aburre.

Como Cooptrol, trato de hacer música complicada, porque siempre trato de hacer la música que yo quiero escuchar; y yo creo que esa es una de las razones por las cuales mi estilo fue cambiando tanto durante los años; trato de hacer la música que no existe y que me gustaría escuchar, aunque después no la escucho, pero ta.

De pendejo tenia esa actitud de que Uruguay es una mierda y que la gente no sabe nada, y cuando saque el disco ese, me sorprendió que había gente que lo compraba y que le gustaba, y ahí cambie la cabeza, porque me di cuenta que lo que pasa es que la gente necesita educación, necesita que le muestren cosas diferentes a lo que están viendo en la tele todos los días. También hay otra cosa y es que el Uruguay va llegando a todo, pero lentamente, entonces yo veo que ahora hay toda una generación nueva de chicos que les interesa la música electrónica experimental, es la primera vez que veo una camada de gente, muchos, que se interesan por eso.

La computadora y la otra electrónica
El argumento de la “democratización” de las herramientas electrónicas, no pincha ni corta, es algo que no tiene ningún tipo de importancia, porque en el arte plástico, por ejemplo, cualquiera, desde el más rico al más pobre, puede acceder a un lápiz y un papel y dibujar, y eso nunca influyo en que hubiera mejor o peor; que en la música haya más accesibilidad a la tecnología mejor, porque de repente destapo talentos que antes no tenían los medios; ahora, que uses una computadora para hacer música electrónica no te va a hacer más ni menos músico electrónico ni va ser ni mejor ni peor tu música, eso va a depender si tenes talento, creatividad o sos horrible.

Yo no creo que esta generación nueva de músicos considere a la música electrónica dividida de los demás estilos, como que juegan con los instrumentos y para ellos es lo mismo usar un bajo y al mismo tiempo un sintetizador y esta todo bien, todo sirve, todo suma y a mi me parece genial; algunos lo hace de forma muy original y personal, otros copian determinados clichés de banda de New York de Low-fi, de Witch house.

Para mi toda esa gente, no piensan en electrónica, les interesa todo lo electrónico, pero no creo que en sus cabezas este hacer solo música electrónica, solo con instrumentos electrónicos.

Otros artistas
Un día Hernán vio que en Facebook había mucha gente que estaba publicando links con su música, y le llamo la atención el espíritu común de estos artistas, entonces decidió crear el grupo de Facebook Otra Electrónica que en menos de un día ya tenia 40 miembros y hoy en día cuenta con más de 130, muchísimos de ellos participan activamente.

Yo descubrí que mi forma natural de ver la música y de crearla siempre estuvo como a contrapelo de lo que pasaba alrededor mío, ahora me siento como más cómodo en este nuevo esquema.

No me esperaba ni que hubiera tanta gente ni que hubieran unos cuantos que tuvieran cosas muy avanzadas y que nunca había oído hablar de ellos. Veo buen nivel de sonido en general, hay cosas muy experimentales en las cuales la parte de mezcla y producción no talla mucho, porque yo no se si satura o es a propósito. Lo que más me gusta es el entusiasmo que tienen, ganas de aprender, ganas de hacer sin parar cosas, de colaboraciones espontáneas de gente que no se conocían ni se iban a conocer porque uno era productor de música de pista y la otra era cantante de blues.

Del grupo de Facebook me llama la atención el eclecticismo de algunos, me da la sensación de que tienen la cabeza tan llena de música de todo tipo, que tienen influencia de todo, y que esta todo mezclado muy bien; y también me llama la atención la mezcla timbrica de instrumentos, que están todos metiendo las manos en la mása, sin tapujos, sin cagarse; agarran un Kaossilator, graban eso, le ponen noise con no se que y después un loop de batería y de repente un bombo en negras y más allá de que el resultado sea bueno o no, el proceso es genial, es mucho más sano y va a tener resultados mejores artísticamente que gente de unas generaciones anteriores que crecimos en un mundo en donde las cosas estaban mucho más divididas y eso te frena.

¿Y todos estos nuevos artistas a donde van?
Buena pregunta, por un lado esta lo que uno siempre deduce de todos estas cosas y es que terminan en la nada porque en Uruguay es como que todo termina en la nada. De toda esa gente que esta empezando va a pasar lo de siempre, muchos van a quedar por el camino, se van a dedica a otra cosa, y otros van a seguir y van a ser buenísimos, tampoco me voy a pasar de optimista y naive y creer que ahora estamos salvados porque están todos estos artistas; muchos están haciendo cosas que son una porquería y no va a trascender, pero hay otros que no, de cada época sale alguna gente que aporta a la música para siempre. Hay un entusiasmo renovado de estos pibes que vienen a tapar el hueco que hubo en la música electrónica en todos estos años y esa energía es la que se necesita.

Y ya que los mencionamos, en AKA decidimos consultar a 3 artistas de este grupo, para que se presenten y nos cuenten como se acercaron al genero.

Phoro
Tras varios años de tocar y cantar en algunas bandas que no resultaron por un motivo u otro; sentí una inmensa frustración; mis ganas de hacer música se acrecentaban y mis posibilidades de formar una proyecto como el que yo tenía construido en mi mente parecía imposible. Ahí fue cuando tuve la suerte de conocer y rodearme de gente que me dio un bocado de lo que es el mundo de la música digital.

La computadora
Siempre tuve una idea muy clara de lo que quería hacer y siempre fue difícil (aún lo sigue siendo) encontrar a las personas adecuadas para generar un proyecto o un estilo al que yo apunto. La computadora no pide explicaciones, no quiere hacer solos eternos, no tiene que “comprender” que es lo que estás sintiendo o que es lo que pasa por tu cabeza. Simplemente lo procesa.

Otro aspecto fascinante es que te da la posibilidad de ser percusionista, bajista, guitarrista, tecladista, etc. Algo que en el mundo real uno no es. En el momento que tomé el Logic Pro y comencé una pista, y luego añadí otra, y luego otra. Sentí una libertad inmensa ya que por primera vez tenía la posibilidad de decirle a cada actor dentro de la canción lo que hacer.

No veo la música que hago como algo estrictamente electrónico (que si bien por definición es así) el resultado final tiene una estructura más parecida a un tema clásico (introducción, verso, estribillo…). Claro esta, esto se debe a mi formación y a mis influencias musicales.

Elegí una canción para presentarte

“Drive Into The Night” es la última canción que publiqué en mi soundcloud.
Durante el verano escuché mucho el disco de Gorillaz “Demon Days” el cual me dio una motivación para realizar una tonada con más beat y con un bajo con más personalidad y protagonismo. Comencé cantando en bandas de blues por lo que la parte de la voz siempre va a tener cierta influencia del estilo. Quería hacer algo lento, contundente, emotivo, oscuro y “colgado”.

Camposanto
Pablo: Camposanto es una vertiente, son los restos de un grupo más grande llamado Fiesta Animal. Esta integrado por Pablo Carnezafiro, Antonella Moltini y Martin Canova. Nació a finales del 2010. Ensaya siempre en el mismo lugar con una combinación de instrumentos acústicos y electrónicos. En breve espera la salida de su primer siete pulgadas por el sello SpleenCoffin, así como otros proyectos registrados que saldrán al público en el correr del 2012.

La música electrónica
Antonella: A mi me gusta la música electrónica desde hace tiempo y siempre tuve ganas de hacer algo con sintes, teclados y cajas de ritmos, pero realmente no me siento muy ligada a la informática a la hora de hacer música, me parece que las computadoras son útiles para grabar (entre un millón de cosas!), pero prefiero no usarlas para hacer música o tocar en vivo porque no les tengo mucha confianza, siempre se cuelgan y cosas por el estilo.

Pablo: Nuestro grupo de amigos/músicos viene coqueteando con la composición asistida por ordenadores desde hace ya un tiempo. Personalmente, y creo que en Camposanto también, el progreso informático no ha sido lo más importante para acercarnos a esto, preferimos la tecnología anciana y palpable, como si se tratara de descifrar aparatos olvidados de otros mundos.

Martín: Llegamos a la electrónica un poco porque somos fans de parte del genero (a mi me gusta mucho kraftwerk, el techno pop y los primeros años del house ponele). También porque en un momento de nuestra vida se nos dio por comprar y usar instrumentos electrónicos. Si bien en esta primera camada de temas la electrónica esta muy presente, no creo que la electrónica sea nuestro lenguaje principal, ya que eso seria ponerse un limite y lo que menos queremos en Camposanto es ponernos limites. Rara vez usamos exclusivamente solo instrumentos electrónicos. Personalmente creo que no hay nada más aburrido que un recital de un tipo con un laptop moviendo un mouse, por decirlo de alguna manera, “para sentirnos más vivos al tocar”, usamos instrumentos más tradicionales además de los electrónicos. La expansión de las herramientas informáticas puede que nos haya ayudado, pero la verdad es que nuestros aparatos electrónicos son bastante viejos y estamos muy poco actualizados con las novedades del software musical en general.

La música de pista
Antonella: En relación a la electrónica másiva, me gusta como género a nivel mundial digamos, porque bueno, me gusta casi toda la música en general; pero no me siento muy ligada a la electrónica masiva de este momento en Uruguay específicamente, sinceramente me aburre bastante, antes me gustaba pero como que no evolucionó, quedó estancada como en el 99′ – 2000… Pero a nivel general me encanta la electrónica de baile y mi sueño máximo es pegarla con un hit radial del verano.

Martín: No tengo nada en contra de que la gente baile, a veces paso música en fiestas y me encanta que la gente baile. La escena electrónica masiva en Uruguay, además de ser altamente terraja, esta atrasada o más bien detenida, desde hace como una década. Al principio, era divertido, pero a mi me aburren las cosas cuando no evolucionan ni cambian.

Elijan una canción para presentar al grupo

Antonella: Me encanta la canción Usurpadores porque es como contenida al principio y después estalla y se pone mas bailable. Me pone contenta tocarla, me da energía y bailaría un montón cuando la tocamos si no estuviera inmovilizada por los cables y cosas a punto de desconectarse que me rodean, pero bueno un día me voy a colgar el sinte, voy a pegar con cinta pato los cables y la voy a bailar!

Esta versión es en vivo y recuerdo que el público bailó pila cuando la tocamos. Además es un poco un homenaje a los usurpadores de cuerpos (todas las versiones), la de Abel Ferrara (en especial) y las pelis de terror en general que son todas cosas muy buenas.

Nico Ovalle
“Nicolás Ovalle” como proyecto arrancó en 2007 desde el total desconocimiento de los procesos de producción por software, pero con muchas ganas de transmitir cosas. Todas las publicaciones del 2007 a la fecha, sean digitales o físicas son para mi puntos claves que admiro, en las que paso a paso fui creciendo. A pesar de ponerlo a nombre personal, es un proyecto en que participan muchas personas, sea desde el lado estricto de la producción, como de la generación de experiencias que llevan a la necesidad de producir. Siempre intento complementarme con guitarras, de la mano de Juaco Carriquiry o Marcelo Sanguinetti.

El tiempo, la experiencia de probar y probar, pero por sobre todo la gente que conocí en el camino fueron quienes me ayudaron a ir de a poco obteniendo un sonido más fino, preciso. Todavía sigo muy lo-fi, mi sonido es de home studio, de salón, y espero que lo siga siendo.

Lo puedo definir como un proceso que comenzó de varias puntas, tres o cuatro de ellas muy claras. Por un lado la influencia recibida por el metal industrial, género en el cual participé durante algún tiempo, el disco “Filosofías de Insomnio” de LTP* con una electrónica ambiental, mi tío que de pendejo me llevaba a fiestas electrónicas y por otro lado descubrir un pariente que aunque lejano interesado en compartir sus gustos, ya que desde Suiza envió los primeros CD’s que conocí de algo llamado, según el rótulo del disco “MNML”. Dos extremos, el metal industrial, casi barroco cargado de melodías y pistas y el minimal en su expresión menos dancefloor, matizados con el el hiphop de grandes tintes electrónicos.

A pesar de haber participado en bandas en su formato clásico descubrí que las herramientas informáticas junto a los controladores de audio permitían plasmar mejor lo que quería transmitir. Al principio fue electrónica de baile, pero la inmediatez del software me dio la oportunidad de descargarme y encontrar que la música podía ser mi psicóloga.

De todas maneras el software no puede convertirse en un recurso que nos aísle, en varios de mis tracks se pueden escuchar arreglos de guitarras, percusiones orgánicas, samples grabados en la calle y mi apuesta es ir a más en ese sentido, más texturas naturales.

Las fiestas
Alguna que otra vez participé con mi música en la pista junto a P!NK, pero descubrí que por el momento, no es algo que realmente me llene, me gusta mucho más hacer música para escuchar en casa o en la calle, de pronto es más reflexiva, más sensible, que si mi música llega a los oídos de alguien, pueda transformarse en “ese tema” que todos tenemos para relajarnos, levantarnos, concentrarnos, etc. Insisto, la música es mi psicóloga, y compongo a consecuencia de experiencias vividas.

Elegí una canción para presentarte

La Plata es un track resignifcado, de evolución lenta, para apreciar el exterior a través de una ventanilla en la carretera, con un diálogo entre bajo y guitarra que cada tanto se ve presionado por pads arpeggiados casi de videojuegos; fue producido junto a Marcelo Sanguinetti.

Nació como una sesión de improvisación, me quedé con una estructura inicial, pero el punto clave para obtener la edición final se dio la semana posterior al 23 de Julio de 2011, después de un viaje maratónico por carretera a Buenos Aires, una rápida visita a La Plata, de vuelta a Buenos Aires y no conseguir entradas para lo que ya todos sabemos que paso el 24 de Julio, volviendo a contra reloj para vivirlo acá.

Como hoy está medio pesado, y no se me ocurre nada que escribir, es momento de un poco de autobombo; les presento el primer video de Par. Realizado junto a Gabriel Adda, cara conocida en AKA. Este tema forma parte del primer Ep de Par, a editarse en Marzo vía Maktub Music.

El año pasado salieron dos discos muy esperados, con sonidos y repercusiones bien distintas pero que sin embargo esconden puntos en común mas allá de la música.

Lou Reed puso fin a muchos años sin editar y sacó un disco acompañado de Metallica. Por otro lado, el director David Lynch, luego de colaborar muchos años en la música y los ambientes de sus propias películas, decidió que era momento de sacar su primer disco.

Las expectativas fueron altas en ambos caso así como las miradas de reojo para ambos proyectos. Si bien tengo mi opinión sobre ambos discos, no son las cualidades artísticas de cada disco las que me interesa desarrollar en esta columna, sino lo que tienen en común ambos discos, el riesgo.

Que lleva a dos artistas consagrados -abuelos ellos- radicales y revolucionarios cada uno en lo suyo, a nadar en aguas desconocidas a esta altura del campeonato? Quizás sea justamente eso, su condición de artistas, lo que llevo a uno de los maestros del cine contemporáneo a sacar un disco de country bien oscurito, con algunos toques de electrónica (con Karen O de Yeah Yeah Yeahs de invitada). O tal vez sea la búsqueda de nuevos sonidos la razón por la cual Lou Reed, quiso que Metallica fueran los encargados de ponerle música a una serie de letras que estaba escribiendo (originalmente pensadas para un musical).

Ambos ya han demostrado en varias oportunidades que son dos creadores inquietos, desde el Metal Machine Music, un disco enteramente de acoples que saco Reed en el 75 hasta las ya conocidas incursiones de Lynch en la pintura y la fotografía. Mas allá de los resultados y las criticas (cada uno sabrá que opina de cada disco) no deja de ser interesante como grandes artistas, que no tienen que demostrarle nada a nadie, todavía les quedan ganas de dar un golpe de timón y buscarle un poco la vuelta al proceso creativo.

O después de los 60 ya estas muy aburrido y haces lo que se te canta, probablemente.
Cualquiera sea el motivo, hay dos discos nuevos, y nos gustaría saber que piensan ustedes.

Los posters de película desde hace unos cuantos años tienen poco o nada que aportar (salvo algunas excepciones) en la experiencia general de una película. En donde basta con darse cuenta de algunas de las tendencias y recursos que se abusan ya sea por capricho de productoras o por pereza de diseñadores.

Pero la idea no es quejarse sino mostrar quienes están haciendo las cosas bien. MONDO es una tienda online que se especializa en remeras y afiches de película. En donde diseñadores e ilustradores están devolviéndole la calidad que los posters ilustrados supieron tener pero que hoy han sido olvidados. Pero además, MONDO funciona como archivo digital mostrando una cantidad de afiches que desde 1998 viene creciendo exponencialmente y que no estamos acostumbrados a ver en salas de cine o en la vía pública.

Les compartimos una selección de los mejores posters de 2011 en donde el uruguayo Martín Ansin es representante local.

Alicia Carrera es una joven fotógrafa española de Galicia que desde 2007 viene trabajando un estilo muy personal. Luego de probar y no sentirse a gusto trabajando en moda y publicidad en Madrid, decide volver a Galicia y empezar a utilizar la camara heredada de su padre, una Yashika Fx-3 y así comenzar un viaje de solo ida al mundo de la fotografía análoga plasmando los paisajes que observa a su alrededor.

Sobre su visión personal, Alicia nos cuenta “Me gustan las fotografías inconcretas y doy mucha importancia al color. Intento conseguir que un motivo sea bonito aunque estéticamente no lo sea, todo con el fin de emocionar y causar incertidumbre al espectador”.

Actualmente vive en Berlín donde sigue desarrollando sus proyectos personales. Pueden ver más de sus fotografías en su web o en su flickr.

Future Shorts es un innovador festival mensual que desde 2003 muestra los mejores cortometrajes del mundo en un formato poco convencional.

Cualquier persona en cualquier parte del mundo puede realizar su versión local siguiendo las líneas básicas que propone Future Shorts. Dando así la posibilidad de conectar creadores con espectadores y conectarse con una de las redes de realizadores audiovisuales más grande del mundo.

Actualmente más de 30 países y más de 60 ciudades participan del festival de forma sincronizada, en donde además de cortometrajes hay lugar para conciertos, muestras de arte y fiestas. Lamentablemente no tenemos ninguna proyección cerca (aún) siendo Perú y Brasil los primeros de latinamerica en sumarse este año.

Los lugares en donde se realiza el festival van desde salas de cine, teatros hasta galerias y clubs. Si están interesados en participar y producir su versión local, acá tienen más información al respecto.

Todos los videos que participan del festival son subidos al canal de Future Shorts en Youtube.
Les compartimos algunos de los trailers de los cortos presentes en la última edición del festival.

LUMINARIS – Juan Pablo Zaramella, 2011: Este cortometraje, de producción argentina ha obtenido el Premio de la Audiencia y el Premio FIPRESCI en el Festival Internacional de Animación de Annecy. Inspirado en la pieza de instrumental de tango argentino “Lluvia de Estrellas”, Luminaris cuenta la historia de un hombre que vive en un mundo controlado por el tiempo y la luz.

GOD OF LOVE – Luke Matheny, 2010: Siendo aún estudiante de cine, Matheny (guionista, director y protagonista) presentó “God of love” como proyecto final de su tesis y sus provocativos dardos del amor lo llevaron a ganar el Óscar al mejor Cortometraje Live Action en 2011.

DEEPER THAN YESTERDAY (Ariel Kleinman, 2010): Ganador del Premio al Mejor Cortometraje Internacional en Sundance. Se grabó en un viejo submarino militar fuera de servicio con cámaras de 35mm y nos narra la historia de un equipo ruso en el que la vida en el submarino está comenzando a hacer estragos, de como el aislamiento les está conduciendo a la locura.

THE EXTERNAL WORLD (David O’Reilly, 2010): “The external world” trata de un niño aprendiendo a tocar el piano pero es una oscura y humorística meditación sobre los miedos y ansiedades de la sociedad moderna, quizás por esto ha ganado el premio 2011 a la mejor animación en el Festival de cine de Tampere. Creada como animación de baja fidelidad ‘The External World’ es una colección de 17 minutos de viñetas surrealistas que toman referencias de la cultura pop, el cine y los videojuegos.

Fotos NPR

Urban Exploration: Se trata de la exploración de zonas alejadas de los núcleos urbanos, zonas industriales, o abandonadas. La exploración urbana es también conocida comúnmente como infiltración, aunque algunos consideran que la infiltración esta más estrechamente asociada con la exploración de zonas activas o sitios habitados. Para realizar esta practica, los exploradores, accederán a dichos lugares por lugares impensables para la mayoría. Por el alcantarillado, o por ventanas situadas a tres metros de altura.

Undercity es un corto documental de 27 minutos de Andrew Wonder en donde acompaña al historiador urbano Steve Duncan en un viaje igual de peligroso que ilegal, recorriendo los lugares más inaccesibles de Nueva York.

La abandonada estación de subte Fulton Street, alcantarillas con mas de 200 años y el Williamsburg Bridge son algunos de los lugares en donde se infiltran, nos cuentan su historia y nos presentan a los extraños personajes que allí habitan.

Si se quedaron con ganas, pueden ver más en el grupo Urban Exploration de Vimeo.

Tres años pasaron desde que en 2009 el neoyorkino y diseñador web Casey Pugh se le ocurrió la idea de llevar el crowdsourcing a escalas inimaginables. Realizando un remake de Star Wars IV: A New Hope de 1977, filmado y actuado por sus propios fans.

Se dividió la película en escenas de 15 segundos en donde 430 fans tuvieron la oportunidad que realizar su versión amateur utilizando cualquier medio (animación, live action, titeres, etc). El proyecto tuvo la aprobación de George Lucas y en 2009 ganó un Primetime Emmy por su innovación creativa en el medios digitales.

La película completa dura dos horas y cinco minutos y se puede ver online, donde los fans demuestran una creatividad asombrosa para realizar las escenas, la mayoría de las veces (y las más entretenidas) sobre lo precario y muy limitado técnicamente pero demostrando que internet es una gran herramienta que proporciona nuevos formatos de creación y publicación artística.

Continuamos con Dribbble Highlights Volumen 3, esta semana los destacados son variados pasando por ilustración, 3d y un poco de tipografía.

 
Mike – Creative Mints | dribbble.com/creativemints

Como lo dije en los otros post, me interesa cuando los diseñadores utilizan este sitio para mostrar el proceso de sus trabajos, si a esto le sumamos que el resultado final es más que interesante, mejor. Este es el caso de Mike y su trabajo para el header de un website.

 
Jacob Etter | dribbble.com/jacobetter

Desde que Facebook cambió su interfaz y utiliza la famosa “timeline” seguro que a más de uno se le ocurrió diseñar un cabezal y así evitar las clásicas fotos personales. Jacbo Etter es una de esas personas y el resultado es muy interesante. Pueden verlo en su facebook

 
Jordan Metcalf | dribbble.com/JordanMetcalf

En Dribbble se pueden encontrar diseñadores que se destacan por su trabajo tipográfico. Jordan Metcalf realizó esta composición que fue una de las más visitadas de la semana.

 
Alex Volkov | dribbble.com/kadasarva

Creo que la imagen habla por sí sola. Una representación remitiendo a Google Maps con infinitos detalles por dónde se lo mire.

 
Zach Graham | dribbble.com/zgraham

Este post fue subido hoy y ya van varias veces que entro a verlo. La paleta de colores es muy buena al igual que la composición. Simple y efectivo.

Les presentamos nuestros tres nuevos diseños de remeras. El responsable de realizarlas será Sr. Estampador, quién realizó las ‘Serigrafías por Jan’.

Para quienes estén interesados en adquirirlas, el costo es de $350 cada una y los talles disponibles son S, M, L & XL. Tienen que enviar un mail a hola@aka.com.uy indicando el diseño (I, II o III -en orden vertical-) y el talle.